Notas al programa

Un relato de misterio

El caso de la Sinfonía n.º 9 en do mayor, D. 944, apodada «la Grande», es sintomático de esa mezcla entre historia, mito y necesidad de relato que va a presidir buena parte del siglo XIX. Tradicionalmente atribuida a los últimos momentos de la vida de Franz Schubert (1797-1828) —el manuscrito original contiene como fecha final de composición 1828—, su rescate del olvido, ascenso a ídolo romántico y posterior reestreno por parte de Mendelssohn parecen un argumento que The Strand Magazine bien hubiera publicado mientras esperaba las nuevas aventuras de Sherlock Holmes. En realidad, la sinfonía comienza a componerse tres años antes de lo que se pensaba, en uno de los momentos más felices —o al menos estables— de la vida de Schubert, durante la gira austríaca de conciertos que realizó con Michael Vogl durante el año 1825, poco después de componer su primer ciclo completo de canciones, La bella molinera. En Schubert todo juicio está emborronado por su precocidad y su fertilidad extrema, pero es este momento, con 28 años y seis sinfonías a sus espaldas, cuando consigue una cierta holgura económica gracias al dinero recaudado durante la gira y el reconocimiento profesional que derivó de ella.

Seis semanas de aquel verano de 1825 Schubert y Vogl las pasan, bajo invitación del mecenas Ferdinand Traweger, en Gmunden, una pequeña ciudad al norte de Austria con vistas a los acantilados y a la orilla norte del lago Traunsee, en la desembocadura del río Traun. Sus días allí son felices, por la familiar acogida, el acceso a un piano excepcional y la ausencia de síntomas de su sífilis, que le atacaba de forma intermitente y pareció disolverse en aquellos largos atardeceres. Allí da noticia del inicio de la composición de la “gran sinfonía”, en una tonalidad, Do mayor, en la que estaba trabajando mucho durante los meses anteriores. Poco después, en agosto, son los acantilados de Bad Gastein los que acompañaron el proceso compositivo de la sinfonía y también de una impresionante sonata. Schubert presentó la partitura en octubre de 1826 a la Sociedad de Amigos de la Música de Viena (la Gesellschaft der Musikfreunde), buscando su estreno durante la temporada además de los cien florines que percibió por ella. La sinfonía tuvo una lectura durante un ensayo durante 1827, pero se descartó su interpretación sin que hayan trascendido los motivos de aquel rechazo.

Sería en una revisión tardía, ya en el último año de su vida, donde se producen los malentendidos. Schubert revisa la Sinfonía Grande y escribe como fecha de finalización marzo de 1828. Dado que ya se tenía noticia del proceso de composición de una sinfonía en 1825, no se piensa que sean la misma sino dos distintas y comienza la frenética búsqueda de una inexistente sinfonía perdida. Los misterios, que ya rodeaban a Schubert tras la Inconclusa (una sinfonía con solo dos movimientos, no sabemos si voluntaria o involuntariamente), se acentúan aquí cuando se pierde homogeneidad en la numeración. La sinfonía del presente concierto se publica en 1840 con el número 7 y el apelativo de “grande” para diferenciarla de la Sexta, en la misma tonalidad pero de pretensiones más modestas. Es la nomenclatura habitual en el eje austroalemán. Sin embargo, la última versión del catálogo Deutsch (el oficial) la nombra como Octava, mientras que en la franja mediterránea e inglesa se la conoce como la Novena. Tres nombres, una partitura real y otra fantasma para hablar de la misma música… En cualquier caso, Schubert murió sin que haya certeza del estreno de su obra.

Pasada casi una década será otro compositor quien visite Viena, peregrine hasta la tumba de Schubert y pase a saludar en su casa a su hermano Ferdinand. Este le enseñará una pila de manuscritos sin clasificar donde se encuentra la Novena. Absolutamente fascinado por la ambición sinfónica de la partitura, la llevará a Leipzig donde Felix Mendelssohn podrá, por fin, estrenarla en la Gewandhaus el 21 de marzo de 1839. Ese “otro compositor” responsable de que hoy podamos escuchar la Sinfonía Grande es, precisamente, el otro gran protagonista del programa, Robert Schumann (1810-1856). Adorador de Schubert en general y de su sinfonía en particular, será también el encargado de escribir en la revista musical Neue Zeitschrift für Musik un texto premonitorio, explicando que la sinfonía era ein dicker Roman, una gruesa novela. Ese “Roman” será la base etimológica desde la que se construya el término con el que se denominará la corriente estética del momento, el Romanticismo.

La vida de Schumann por aquellos años era extraordinariamente complicada, sumido en un proceso legal contra Friedrich, el padre de Clara Wieck, que no le permitía casarse con ella y le difamaba públicamente. A pesar de ganar el juicio las penurias acompañaron a la pareja durante muchos años, hasta justo una década después, en 1850, cuando le llegó a Schumann la oportunidad de trabajar como director de la Orquesta Liedertafel de Düsseldorf por un buen salario cercano a los mil táleros. El respeto que la orquesta sentía por él y la saneada situación económica le permitieron centrarse por completo en la composición. El 10 de octubre comienza a escribir el Concierto para violonchelo en La menor, op.129 con una incandescencia tal que lo termina en dos semanas. Decide hacer solista al chelo en un momento de lucidez previo a las alucinaciones, las fobias y los miedos, donde la escritura para este instrumento le supone cumplir con un viejo anhelo, reencontrándose con su infancia cuando leía las novelas de caballería de su padre, los libros de Walter Scott o Lord Byron y tocaba el chelo. Además, Schumann estaba convencido de que en un mercado editorial saturado de conciertos para piano o violín una obra de estas características resultaría interesante.

Desde el propio título ya encontramos decisiones enigmáticas vinculadas con la pieza. Schumann no la llama en un primer momento Koncert sino Konzertstück (“Pieza de concierto”), un término más abierto que permitía menos servidumbres estructurales. De hecho, a pesar de estar dividida en las habituales tres partes, los movimientos se suceden sin interrupciones, generando una única unidad dramática que fluye de forma especialmente orgánica una vez nos adentramos en el “Langsam” central. Tampoco formaba parte de las convenciones tradicionales la longitud de la cadencia, mucho más larga y detallada que las habituales. La escritura orquestal es diáfana, contagiando a un chelo que no necesita aspavientos ni fuegos de artificio para presentar su catálogo de emociones. El uso del registro medio es predominante, casi como en un lied, dejando los extremos para notas aisladas y centrándose en el fraseo y el desarrollo de los motivos. El momento más hermoso, mediado el concierto, ocurre con el diálogo entre los violonchelos con dobles cuerdas, una extraordinaria muestra del talento lírico de Schumann.

Schumann no pudo ver estrenado su concierto ni percibió una cálida acogida a las novedades que ponía en práctica. Incluso el proceso de búsqueda de editorial fue largo tortuoso, hasta que finalmente fue aceptado en Leipzig por Breitkopf & Härtel, en 1854. Las correcciones a esta edición le servirían de anclaje con la realidad en sus últimas semanas de cordura, en lucha contra sus cada vez más frecuentes ataques de locura. El estreno tuvo lugar el 23 de abril de 1860 en Oldemburgo, con Ludwig Ebert como solista. Su aceptación fue tan escasa que desapareció casi por completo durante el resto del siglo hasta que Pau Casals comenzó su perpetua reivindicación.

En definitiva, dos obras rodeadas de misterios, giros inesperados y protagonistas compartidos. Pero debajo de toda esa niebla histórica están los cantos de cisne de dos compositores geniales, incomprendidos, con carreras tan cortas como fulgurantes, y que despiertan en el público toda la mística de los ídolos. Que lo disfruten.

© Mario Muñoz Carrasco

Mario Muñoz Carrasco es musicólogo, gestor cultural y crítico musical. Cursa el Grado en Musicología en la Universidad Complutense de Madrid, finalizado primero de su promoción, así como el Máster en Música Española e Hispanoamericana. Desde el 2007 ejerce como crítico musical en distintos medios, tanto en radio como en prensa, colaborando con Ópera Actual, La Razón, Scherzo o ABC entre otros. En el campo de la gestión participa con las principales instituciones culturales (Teatro Real, Ayuntamiento de Madrid o Fundación Juan March) en actividades musicales de diversa índole relacionadas con la recuperación de patrimonio, la organización de conciertos o la coordinación técnica y artística de distintas orquestas. En el campo de la alta divulgación participa habitualmente con las más destacadas instituciones musicales como la Orquesta y Coro Nacionales de España, el Teatro Real, la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española o el Centro Nacional de Difusión Musical, labor que compatibiliza con la docencia en distintas universidades.

Interpretaciones anteriores

El primer antecedente de una interpretación por la OEX del Concierto para violonchelo de Schumann data del 25 de septiembre de 2003 y fue en la Sala Trajano de Mérida. Dirigió Jesús Amigo, siendo el solista Adolfo Gutiérrez Arenas. La referencia más reciente es del 11 de febrero de 2017 en el Teatro Villamarta, de Jerez de la Frontera, con Álvaro Albiach como director y Pablo Ferrández como solista.

Por otro lado, «La Grande» de Schubert se interpretó por primera vez por la OEX el 18 de abril de 2013 en el Palacio de Congresos de Badajoz y la última al día siguiente en el Gran Teatro de Cáceres; dirigía Álvaro Albiach. Pero existe otro antecedente en el abono de la OEX: como orquesta invitada, la Orquesta de Radio Televisión Española la interpretó en Cáceres y Badajoz los días 8 y 9 de febrero de 2008, dirigida por Günther Herbig.

Damián Martínez

Reconocido por la crítica por su “sensibilidad expresiva” y su “exquisito sonido” Damián Martínez ha sido galardonado en concursos internacionales en Francia, España y Portugal.

Como solista ha actuado con los Maestros Krzysztof Penderecki, Lawrence Foster, Lorenzo Viotti, Theodor Guschlbauer, Anne Manson, David Harutyunyan, Peter Rundel, Pedro Halffter, Antoni Ros Marbà, Enrique García Asensio, Gloria Isabel Ramos, Frank Beermann, Tomás Garrido, Juan José Olives, Josep Vicent, Vasily Petrenko, Marzio Conti, Nuno Coelho.

Ha realizado giras por Francia, Alemania, Italia, Inglaterra, EE. UU., Finlandia, Suecia, Marruecos, Lituania, Estonia, Japón, Colombia, Ecuador, Argentina, Túnez, Egipto, Jordania, Israel, Canadá, Japón, Pakistán, Corea del Sur, China.

Comprometido con la creación actual, el compositor Salvador Brotons le escribió la “Sonata para Cello Solo” que estrenó en Lisboa y el maestro Tomás Marco le ha dedicado la Sonata para cello y piano “Sibilas frente al espejo” que estrenó con gran éxito en Madrid.

Es artista en exclusiva de Warner Classics. Ha grabado Spirit of Casals, un homenaje al violonchelista Pau Casals, así como un reciente trabajo discográfico dedicado a Camille Saint Saëns que verá la luz próximamente. Damián ha realizado grabaciones para las discográficas ASV, Claves, Naxos, TVE, TV3 y para la Association Française du Violoncelle con quien ha publicado la integral de los estudios de David Popper junto a violonchelistas excepcionales.

Con Dúo Cassadó, formación que lidera junto a la pianista Marta Moll de Alba, ha actuado en prestigiosos auditorios y festivales de todo el mundo y ha recibido el reconocimiento del público y de la crítica internacional. Su disco Rapsodia del Sur recibió el apoyo de la Fundación BBVA, fue elegido entre los mejores discos del año y galardonado con el “Melómano de Oro”. Dúo Cassadó publicó ROJO, donde realizó la primera grabación mundial de Fantasía Española, escrita por Ernesto Halffter. Fue catalogada por la prensa internacional como una grabación de referencia y una de las mejores del año. Su reciente trabajo discográfico HYPNOTIK, publicado por Warner Classics, ha recibido el apoyo del Departamento de Cultura del Gobierno Vasco.

Su compromiso social le ha llevado a realizar conciertos para el Congreso Mundial del Sida, a favor de los niños en Colombia, para las víctimas del terremoto en Chile, en Canadá y para las Víctimas del Terrorismo en España.

Con 20 años ganó la plaza de primer violonchelo de la Orquesta de la Radio Televisión Española (ORTVE) y del año 2001 al 2005 lo fue de la Orquesta Sinfónica de Barcelona (OBC).

Es licenciado por la Guildhall School of Music de Londres, Indiana University School of Music de EE. UU. y Musikhochschule Stuttgart. Realizó sus estudios con Janos Starker, Natalia Gutman, María de Macedo y Aldo Parisot, apoyado por Juventudes Musicales de Madrid, Fundación Pau Casals, Fundación Ritz, Indiana University, Banff Centre of Arts Canadá y Yale University.

Damián Martínez es profesor titular de violonchelo en la Escuela Superior de Música de Cataluña ESMUC, en el Centro Superior de Música del País Vasco MUSIKENE y en la Universidad Alfonso X El Sabio en Madrid.

Izabelė Jankauskaitė

La directora de orquesta lituana Izabelė Jankauskaitė, de 24 años, recibió el reconocimiento internacional en 2022 al ganar el prestigioso «Premio Neeme Järvi» de la Academia de Dirección de Gstaad. De agosto de 2022 a junio de 2023 fue directora asistente de la Tonhalle-Orchesters Zürich bajo la dirección de Paavo Järvi.

Como parte de su asistencia en Zúrich, se la puede escuchar en conciertos familiares con músicos de la orquesta, entre otros. En 2023 debutará también con el Musikkollegium Winterthur, la Theater Orchester Biel Solothurn y la Berner Symphonieorchester. Otras invitaciones la llevarán a la Orchestre de Chambre de Lausanne, la Orquesta de Extremadura, la Filarmonica Banatul Timișoara y la NDR Radiophiharmonie. En otoño de 2023 asistirá a Nicholas Carter en una producción de la ópera «Tosca» de Puccini en el Stadttheater Bern.

Izabelė Jankauskaitė ha asistido a numerosas clases magistrales con directores como Jaap van Zweden, Kristjan Järvi, Baldur Brönnimann, Paavo Järvi, Leonid Grin y James Lowe. Durante sus estudios, dirigió la Göttinger Symphonieorchester, la Südwestdeutsche Philharmonie Konstanz, la Orquesta Filarmónica de Sofía, la Orquesta Filarmónica de Hradec Králové, el Collegium Musicum Basel, la Zentralschweizer Jugendsinfonieorchester y la Schweizer Jugend-Sinfonie-Orchester, entre otras.

En 2017 ganó el primer premio del Concurso de Dirección Coral Jonas Aleksa. De 2019 a 2022 fue directora coral del Johannes Choir Mellingen y del Stadtsänger Winterthur.

Izabelė Jankauskaitė nació en Vilna, Lituania. Recibió sus primeras clases de música en la Escuela Nacional de Arte M. K. Čiurlionis. Más tarde cursó estudios vocales en la Academia Lituana de Música y Teatro. En 2018, continuó su formación musical en la Universidad de las Artes de Zúrich, inicialmente en dirección coral. En 2020, se pasó a la dirección orquestal en la clase del profesor Johannes Schlaefli.