Beethoven había crecido en Bonn durante la década de mayor efusión de la Ilustración alemana (Aufklärung), entre la influencia de la filosofía de Kant y los ideales de libertad y búsqueda de la felicidad. Catorce años tenía cuando Schiller escribió su An die Freude (Oda a la Alegría), que exaltaba el ideal de una sociedad de iguales unidos en alegría y dieciocho cuando el pueblo de Francia tomó la fortaleza de la Bastilla. Luego vendrían las expectativas revolucionarias, la triada robespierriana de Libertad, Igualdad y Fraternidad yel ascenso de Napoleón, junto a la gran decepción que supuso para Beethoven y tantos otros su giro imperialista y autoritario. Y la guerra, también llegó la guerra a Europa. Durante todo este intenso periodo histórico se compusieron más de cuarenta adaptaciones del texto de Schiller, muchas de las cuales se cantaban en las reuniones de las logias masónicas al estilodel geselliges Lied, las canciones sociales que se entonaban entre amigos y camaradas. Beethoven coqueteaba con la idea de musicar el célebre poema desde su juventud, pero no fue hasta sus últimos años que lo convirtió en el eje central de su Novena. En 1822 comenzó a trabajar, recuperando algunos esbozos previos, en una gran sinfonía para la Sociedad Filarmónica de Londres, que vería concluida en los primeros meses de 1824.
La obra está escrita como una pendiente que escala hasta la culminación del cuarto movimiento, en el que intervienen el coro y el cuarteto de solistas con los versos del An die Freude. El arco narrativo tenía que funcionar en esa dirección: toda la sinfonía es una suerte de preludio del cuarto movimiento, un ascenso de la desesperanza a la alegría. Por eso el primer movimiento comienza en la incertidumbre, la indefinición, el caos. Y a partir de ahí, la entrada del tema inicial de ritmo apuntillado y carácter majestuoso pero terrible, como un signo de esos tiempos de reacción absolutista tras el Congreso de Viena. Más tarde, un segundo tema lírico que ya empieza a presagiar lo que mucho después se consolidará como el tema Freude del último movimiento. La música deambula entre la turbación, con leves presagios de esperanza, y la muerte (hay incluso una referencia a la Marcha de la Muerte de Haendel) sin llegar a una verdadera conclusión, como si toda respuesta se dejara para el final. El segundo movimiento es un scherzo frenético y conflictivo de compleja factura contrapuntística. La sección central, el trío, supone otro de estos anticipos de la paz y la sencillez: sobre un bordón, como en la música popular para gaita, se despliega una ingenua melodía con trazos extraídos del futuro tema de la alegría. El Adagio camina entre la nostalgia de la paz de la Arcadia y el anhelo de futuro. Pero el propio Schiller había escrito que, en el mundo moderno, el regreso a la Arcadia primigenia deviene imposible, por lo que el artista debe conducir a la humanidad al Elíseo. Así que todo se rompe abruptamente con la fanfarria del terror, a decir de Wagner, con la que se inicia el movimiento final. El caos del comienzo vuelve de alguna forma. Violonchelos y contrabajos se imponen en una suerte de recitativo de autoridad. Escuchamos recuerdos de los movimientos anteriores, interrumpidos de la misma forma por los severos jueces de la parte grave de la cuerda. No hay canto aún, pero Beethoven escribió en sus esbozos breves textos que evocan los significados de cada interrupción: “¡No, esto nos recuerda demasiado nuestra desesperación!”, escribe tras la remembranza del primer movimiento. “¡Tampoco esto; tan solo es una diversión, algo mejor, ¡más bello!”, apunta tras la cita del segundo. “¡Demasiado tierno, debemos encontrar algo más animado!”, señala tras un pequeño trazo del Adagio, como en una reunión de camaradas en la que se busca la tonada propia para la ocasión. Finalmente se atisba la famosísima melodía de lo que hoy conocemos como el Himno de la Alegría: “¡Eso es! Ahora lo he encontrado y yo mismo lo cantaré”. Comienza apacible el camino de la alegría por distintas variaciones hasta su primera culminación triunfal. Es una victoria momentánea porque vuelve la fanfarria, esta vez interrumpida por la voz del bajo: “¡Oh, amigos, dejemos estos tonos! ¡Entonemos cantos más agradables llenos de alegría!”. Las variantes del célebre tema continúan: en el coro, en el cuarteto solista, en una marcha turca a medio camino entre la sátira (quizás del falso héroe) y la seriedad o como una frenética doble fuga instrumental. En medio de este despliegue, llegamos a un interludio cuasi religioso coincidiendo con la estrofa de Schiller cuyos primeros versos rezan: “¡Abrazaos, criaturas innumerables! ¡Que ese beso alcance al mundo entero!”. Beethoven enfatiza musicalmente una palabra, la más relevante del texto: “¡Hermanos!”. Y como corolario filosófico de la obra, funde la melodía que acompaña a los versos sobre la multitud unida en un abrazo con el tema la Alegría. Antes de concluir Beethoven vuelve a enfatizar los mensajes centrales sobre la Alegría: “Tu hechizo vuelve a unirlo que el mundo había separado” y “todos los hombres se vuelven hermanos allí donde se posa tu ala suave”.
El mensaje central de este monumento sinfónico-coral es un canto a la fraternidad, la tercera y definitiva pata de la terna revolucionaria. Es la respuesta a la desesperación que no fue enunciada en la Missa Solemnis. En la Novena aparece Dios, pero la solución ha de darla la humanidad en su conjunto uniéndose en un abrazo alegre en el camino hacia el Elíseo. La idea va mucho más allá de una simple voluntad cosmopolita. De hecho, el texto original de Schiller, el que conoció Beethoven en su juventud, antes de sufrir censura, rezaba: “el príncipe y el mendigo serán hermanos”. Luego se sustituyó por “todos los hombres”, pero la idea permaneció en la cabeza de Beethoven. Como nos contaba el filósofo Antoni Domènech, las metáforas familiares no son casuales: buena parte de los grandes nombres de la Ilustración europea, desde Schiller a Kant, pasando por el mismísimo Mozart, habían estado sometidos, muchos en calidad de “preceptores”, a la loi de famille propia del Antiguo Régimen, a la dominación (que viene de domus) patriarcal-patrimonial. Habían sido famuli, “domésticos” de familias patricias, sometidos, como las mujeres y los niños, a la ley del pater o del amo y, por tanto y en buena medida, se encontraban excluidos de la vida civil. La fraternidad pues es aquí un concepto con carga de profundidad: siguiendo las metáforas familiares, los hermanos se emancipan, abandonan su minoría de edad, que diría Kant, y se unen en un abrazo alegre en una sociedad de iguales. La Alegría con mayúsculas de la Novena consiste, como diría Domènech, en “hermanarse horizontalmente sin las barreras verticalmente impuestas”. O como reza el verso de la Oda a la Alegría: “tu hechizo vuelve a unir lo que el mundo había separado”. Lo alucinante de esta sinfonía, lo que revela su valentía, es que ve la luz en el momento de la Europa de Hierro que emerge tras el Congreso de Viena, en medio de la reacción absolutista. El mismísimo Metternich, cabeza visible de esta restauración, asistió al estreno en Viena. Pero a las autoridades no les hizo demasiada gracia el exceso de entusiasmo del público. Probablemente muchos recibirían el mensaje de la Novena como una mera “efusión sentimental”. Quizás otros, tal vez el propio Metternich, se percataran de que Schiller y Beethoven habían puesto “letra y música al núcleo del programa emancipatorio ilustrado”.
© Santiago Pavón
Violinista de la Orquesta de Extremadura y Licenciado en Ciencias Políticas y de la Administración. Es divulgador y presenta las charlas previas a los conciertos de la temporada de la Orquesta de Extremadura.
Texto de Johann Christoph Friedrich von Schiller «Ode an die Freude» (Oda a la alegría)
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O Freunde, nicht diese Toene! Freude, schoener Goetterfunken, |
¡Oh, amigos, no con esos acentos! ¡Alegría, hermosa chispa de los dioses |
Interpretaciones anteriores
La OEX interpretó por primera vez la Sinfonía n.º 9 «Coral» de Beethoven el 27 de mayo de 2011 en el Palacio de Congresos de Badajoz, dirigida por Jesús Amigo y con los solistas María Espada, Elena Gragera, Gustavo Peña y Josep Miquel Ramón, con el Coro de la Fundación Orquesta de Extremadura y Coro de la Universidad Politécnica de Madrid. La última, el 24 de marzo de 2019 en el Palacio de Congresos de Badajoz, dirigida por Álvaro Albiach, con los solistas Max Jota, Sara Garvín, Francesca di Sauro y Fabio Barrutia, además del Coro de Cámara de Extremadura.
Carmen Solís
Comenzó sus estudios de canto con la soprano María Coronada Herrera en su ciudad natal, Badajoz.
Es ganadora de numerosos premios en concursos como Operalia, Francisco Viñas o Manuel Ausensi.
Destacadas han sido sus actuaciones en ópera y zarzuela, como el debut de Liú (Turandot) en el Auditori de Barcelona con la OBC, sus representaciones de Alzira de Verdi y Madama Butterfly en el Euskalduna de Bilbao (ABAO) y también este título en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, Teatro Municipal De Santiago de Chile, o en la reciente gira con la Fundació Ópera de Catalunya, así como Nedda (Pagliacci) en el Teatro Comunale di Bologna, Teatro de Reggio Emilia y Teatro Municipal de Santiago de Chile. También la interpretación de los dos papeles principales de Pagliacci y Cavalleria Rusticana en la misma función en el Teatro Cervantes de Málaga.
Habitual solista en papeles principales en el Teatro de la Zarzuela desde la temporada 2016, ha destacado por sus actuaciones en Juan José de Sorozábal, El Gato Montés, María del Pilar y La Dolores de Tomás Bretón.
Sus principales apariciones escénicas, siempre con roles protagónicos, comienzan en 2009, con Amelia (Un ballo in maschera), en la Ópera de Oviedo, donde también ha interpretado en temporadas posteriores Madama Butterfly y Leonora (Il Trovatore) y esta misma ópera en la Ópera Nacional de Croacia. Ha interpretado Tosca en Bilbao, Pamplona, Sabadell (y gira con Fundación Òpera de Catalunya), así como en el Teatro del Giglio en Lucca (Italia) y en el Teatro de Éfeso (Izmir, Turquía); Contessa (Le nozze di Figaro) en ABAO Bilbao; Fidelia (Edgar) y Anna (Le Villi) en el Teatro Monumental de Madrid.
En el campo del oratorio y sinfónico coral, ha destacado en el Requiem de Verdi, Requiem de Mozart y Novena Sinfonía de Beethoven, entre otros, y además en el repertorio contemporáneo de compositores españoles: Gernika de Escudero, Las edades del Hombre de Aizpurua y La Dama del Alba de Vázquez del Fresno.
En este campo y en el operístico ha actuado con las mejores orquestas y coros del país: ORTVE, Orfeón Donostiarra, ORCAM, Coro y Orquesta Nacional de España, OSPA, Oviedo Filarmonia, Sinfónica de Navarra, Sinfónica de Euskadi, Orquesta de Barcelona y Nacional de Catalunya, OEX, Sinfónica de Bilbao, Sinfónica del Vallés, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, OSCYL, etc y actuando bajo la batuta de grandes maestros como Plácido Domingo, Kazushi Ono, Daniel Oren, Antoni Ros-Marbá, Miguel Ángel Gómez Martínez, Ramón Tebar, Henrik Nanàsi, Juanjo Mena, Josep Caballé-Domenech, Oliver Díaz, Álvaro Albiach, etc.
En 2015 salió a la luz su primer CD en solitario, Nana, de canción española junto al pianista Eduardo Moreno (Brilliant Classics) y en 2019 la grabación de La Seduzione, canciones de cámara de Giuseppe Verdi junto al pianista Rubén Fernández Aguirre con la discográfica IBS Classical. Además, junto a este pianista ha actuado en importantes escenarios, destacando en el CCK de Buenos Aires, festival LIFE Victoria de Barcelona, Musika Música de Bilbao, Teatro Principal de Zaragoza o Auditorio Manuel de Falla de Granada.
Entre sus recientes actuaciones destaca el debut como Rosario en Goyescas en la temporada de Oviedo, Manon Lescaut de Puccini en Ópera Catalunya, el rol de Salud de La vida breve de Falla con ORTVE, el rol titular de Tosca con la Ópera Catalunya y un concierto de Beethoven con la Orquesta de Extremadura. Además, se publica su tercer CD, con música de Albert Alcaraz en el sello Harmonía Mundi.
Sus compromisos próximos incluyen Iris en el Teatro Real, Leonora en La forza del destino de ABAO, conciertos con la Orquesta de Valencia y la Orquesta de Extremadura, además de retomar el rol de Salud en La vida breve con la ORTVE.
Cristina Faus
La crítica especializada destaca el excepcional color de su voz y el fraseo musical de la mezzosoprano valenciana Cristina Faus, quien desarrolla una intensa y exitosa carrera artística.
Estudia canto con Ana Luisa Chova en el Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo de Valencia, licenciándose con Matrícula de Honor. Completa su formación con Elena Obratzova, Renata Scotto, Montserrat Caballé, Miguel Zanetti, Alejandro Zabala y Wolfgang Rieger, entre otros. Además, fue ganadora del Concurso Internacional Toti dal Monte, en Treviso (Italia).
Es invitada por las principales orquestas sinfónicas de España y por muchas del extranjero como la Boston Symphony Orchestra, Los Angeles Philharmonic, Toronto Philharmonic, Orchestra del Teatro La Fenice, bajo la batuta de directores de la talla de: Frühbeck de Burgos, López-Cobos, Ros Marbà, García Calvo, Ralf Weikert, Roberto Abbado o Josep Pons. Es especialmente relevante su participación en diversas ediciones del Festival Rossini de Pesaro, así como en el 75 aniversario del Tanglewood Festival junto a la Orquesta Sinfónica de Boston, además de sus giras por Japón y sus actuaciones en la Ópera de Colombia, Royal Opera House de Muscat, o Covent Garden.
Su amplio repertorio sinfónico incluye obras como Membra Jesu Nostri de Buxtehude; Magnificat, Johannes Passion, Matthäus Passion, de Bach; Gloria de Vivaldi; Stabat Mater de Pergolesi; Requiem de Mozart; Stabat Mater y Messe Solennelle, de Rossini; Elias de Mendelssohn; Novena Sinfonía de Beethoven; Oratorio de Noël de Saint Saens; Requiem y Stabat Mater de Dvorak; Das Lied von der Erder de Mahler, por mencionar algunas.
Entre sus últimas actuaciones destacan: La muerte de Cleopatra de Berlioz con la Orquesta Sinfónica RTVE, Novena Sinfonía de Beethoven con la Orquesta y Coro Nacionales de España bajo la dirección del maestro Juanjo Mena, El gato montés de Penella en el Palau de les Arts; Götterdämmerung en la Ópera de Oviedo, El barberillo de Lavapiés, Cecilia Valdés y Benamor, así como el rol de Princesa de Luzan en Pan y toros de Barbieri bajo la dirección escénica de Juan Echanove en el Teatro de la Zarzuela; Arsace en Semiramide de Rossini, en la Royal Opera House (Londres); La vida breve de Falla, con la BBC Philharmonic y Juanjo Mena; Novena Sinfonía de Beethoven en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada; Suzuki en Madama Butterfly de Puccini en el Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial y la Quincena Musical de San Sebastián; Dalila en Samson et Dalila de Saint-Saëns en el Teatro Romano de Mérida; Olga en Eugenio Onegin y Polina en Pique Dame en el Gran Teatre del Liceu (Barcelona); Violante en Don Fernando, el emplezado en el Teatro Real (Madrid); Mayka en el estreno absoluto de Trato de favor de Lucas Vidal en el Teatro de la Zarzuela, y el estreno absoluto de la Cantata d’Amore de Krivitsky en el Auditorio de Tenerife.
Cristina Faus ha grabado para los sellos discográficos Deustche Grammophon, NHK y Chandos.
Javier Tomé
Nacido en Bilbao. Licenciado en Ingeniería Agronómica, resulta ganador en 2010 del primer premio en la XL Edición del Concurso Internacional Toti Dal Monte, de Treviso.
Javier Tomé es invitado habitual de los más prestigiosos teatros y salas de conciertos internacionales, trabajando con directores como Matteo Beltrami, Christian Zacharias, Antoni Wit, Ottavio Marino, Omer Meir Wellber, Alberto Zedda, Ottavio Dantone, Paolo Arrivabeni, Michele Mariotti, Gregorio Gutiérrez, Josep Caballé Domenech, Miguel Ángel Gómez Martínez, Ricardo Casero, José Miguel Pérez Sierra, Henrik Nánási, Facundo Agudín y con directores de escena como Beppe de Tomasi, Bepi Morassi, Italo Nunziata, Damiano Michieletto, Alfonso Antoniozzi, Emilio Sagi, Pier Luigi Pizzi, Alfredo Sanzol y Stefano Monti entre otros.
Entre otras grabaciones destaca para la discográfica Naxos la Misa en Re Mayor de Dvorak bajo la dirección del Maestro Antoni Wit y en 2020 la de la Pastoral Lírica Vasca Maitena con Ibs Cassical.
Realiza su debut a nivel internacional en 2009 con L’Elisir d’amore (Nemorino) en el Tetro La Fenice Venecia, obteniendo seguidamente un gran éxito con La Traviata (Alfredo) en el Teatro Comunale di Bologna. Se le ha podido ver posteriormente en La Bohème (Rodolfo) en el Palacio Euskalduna de Bilbao, Teatro Sociale di Rovigo y Teatro Donizetti de Bergamo, La Traviata (Alfredo) en el Auditorio de Tenerife, en la Opéra Royal de Wallonie en Lieja y en el Bunka Kaikan de Tokyo, El Dúo de la Africana (Giuseppini) Teatro Arriaga de Bilbao y Teatro Campoamor de Oviedo, Carmen (Don José) en el “Japan Tour” del Teatro Maribor de Eslovenia, Tosca (Cavaradossi) en el Festival Opera Open Air Festival de Venecia, Salome en el Teatro Mayor de Bogotá, La Villana y El Barberillo de Lavapiés (Don Luis) en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, Die Sieben Todsünden en el Teatro Arriaga de Bilbao, Goyescas (Fernando) en el Auditorio de Zaragoza, Luisa Fernanda (Javier) en el Teatro Campos Eliseos de Bilbao, Madama Butterfly (Pinkerton) y Alzira (Zamoro) en el Palacio Euskalduna de Bilbao (ABAO), El Barberillo de Lavapiés (Don Luis) Teatro de La Zarzuela, Elektra (Egisto) Teatro Politeama (Palermo).
En la pasada temporada se le ha visto en La Dolores (Celemín) en el Teatro de la Zarzuela, La Bohème (Rodolfo) en Neuchâtel, Trato de Favor (Juan Miguel) Teatro de la Zarzuela, Requiem de Verdi en Victoria Hall Ginebra, La Bohème (Rodolfo) Festival Stand’été de Mouter, Il Trovatore (Manrico) en el Teatro Amaia KZ de Irún, Carmen (Don José) Auditorio de Zaragoza entre otros.
Entre sus próximos compromisos para la próxima temporada destacan su debut en Nabuco (Ismaele) en el Théâtre du Passage (Neuchâtel), Barberillo de Lavapies (Don Luis) Teatro Mayor Bogotá y Giovanna D’Arco (Carlos VII) Teatro Grande di Brescia.
Ferran Albrich
Nacido en 1990, inicia sus estudios musicales como violonchelista y se gradúa en la Hochschule für Musik Detmold (Alemania) después de formarse con Eulàlia Subirà, Lluís Claret, María de Macedo y Xenia Jankovic. En esta disciplina artística ha sido distinguido con premios internacionales, como la Beca Pau Casals. En 2013 es aceptado en la misma universidad para comenzar sus estudios de canto y posteriormente se gradúa suma cum laude en el Conservatori del Liceu de Barcelona tras trabajar con Dolors Aldea. Ha recibido clases magistrales de Dalton Baldwin, Matthias Goerne, Thomas Hampson, Wolfgang Rieger y Furio Zanasi.
Albrich ha sido galardonado en diferentes concursos de canto, como el Concurs Palet (Martorell, 2018), el Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España (2019) o el Concurso Internacional de Logroño (2023), y ha quedado finalista en el Concurso Cavalli-Monteverdi (2023). A raíz de su participación en el Concurso Primer Palau (2019) y, en especial, en el programa Lied the future de la Schubertíada de Vilabertran inicia una carrera como artista lírico que ya le ha reportado un gran reconocimiento.
Desde 2019 ha colaborado con orquestas como la Sinfónica de Castilla y León, la Orquesta Principado de Asturias de Oviedo, la Simfònica del Vallès, la Orquesta Sinfónica de Bilbao, la Orquesta RTVE o ensembles historicistas como La Ritirata o Cremona Antiqua, y se ha presentado en salas como el Palau de la Música Catalana, L’Auditori de Barcelona, el Teatro Calderón de Valladolid, el Auditorio Príncipe de Asturias de Oviedo o el Teatro Arriaga de Bilbao bajo la batuta de maestros como Carlos Mena, Miguel Romea, Manel Valdivieso, Andrés Salado o Xavier Puig entre otros.
Interpreta obras de estilos diversos, como oratorios de J.S. Bach (Magnificat o La Pasión según San Mateo y San Juan), el Mesías de Händel, el Réquiem y la Gran Misa en do menor de W.A. Mozart, la Novena Sinfonía de Beethoven y los Réquiem de J. Brahms y G. Fauré.
En el campo del lied sinfónico ha abordado los Lieder eines fahrenden Gesellen y los Knaben Wunderhorn, de Mahler, o Don Quichotte à Dulcinée, de Ravel.
En el terreno operístico destacan Il combattimento di Tancredi e Clorinda, de Monteverdi, o Lucifero en Il Primo Omicidio, de Scarlatti.
En el género de la canción ha interpretado obras destacadas del repertorio liderístico alemán y de la melodie francesa estrenando, también, obras de compositores catalanes como Brotons, Guinovart o Domènech.
Coro de Cámara de Extremadura
El Coro de Cámara de Extremadura nace en agosto de 2011 por iniciativa de los componentes del Coro de la Fundación Orquesta de Extremadura, con el fin de desarrollar y promocionar una oferta músico-coral de calidad tanto en dicha comunidad como fuera de sus límites.
Sus componentes son, en su mayoría, profesores o estudiantes de música, gran parte de ellos, en la especialidad de Canto y poseen una amplia experiencia sinfónica-coral desarrollada con la Orquesta de Extremadura (OEX) que incluyen obras como Mesías (Händel), Réquiem (Fauré), Magnificat (Bach), Dixit Dominus (Händel), Réquiem (Mozart), La Canción del destino (Brahms), Novena Sinfonía (Beethoven), Gran Misa en do menor (Mozart), Réquiem en do menor (Cherubini), Misa In Tempore Belli (Haydn)… bajo la batuta de Maestros como Jesús Amigo, Thomas Rösner, Anne Manson, Álvaro Albiach o Víctor Pablo Pérez.
En julio de 2017 participó, junto al coro Ziryab de Córdoba y la OEX, en el XXIII Festival Ibérico de Cinema de Badajoz en el concierto Música de Cine de Fernando Velázquez bajo la dirección de este maestro. Cabe destacar su interpretación de Carmina Burana (Carl Orff), en el Teatro Real de Madrid, junto con el Coro y la Orquesta de la Comunidad de Madrid, bajo la dirección de Víctor Pablo Pérez. Asimismo, es destacable la interpretación, como coro de escenario, del Mesías participativo impulsado por la Obra Social de La Caixa, en sus ediciones de los años 2014, 2015, 2017 y 2019. También ha realizado incursiones en la música contemporánea, como el estreno absoluto de Disparos de luz (José Ignacio de la Peña), encargo de OEX y la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas bajo la dirección de Jordi Francés.
Sin duda, una de las actuaciones de mayor relevancia ha sido su participación en la ópera Samson et Dalila (Saint-Saëns), en la inauguración de la 65ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida en 2019, bajo la dirección artística de Paco Azorín y la dirección musical del maestro Albiach al frente de la Orquesta de Extremadura, actuación por la que el Coro de Cámara de Extremadura ha cosechado críticas muy elogiosas a nivel nacional.
Además, en noviembre de 2019 participa en la ópera L’elisir d’amore (Donizetti), producción enmarcada en el proyecto “Ópera Joven” de la Diputación Provincial de Badajoz y, en noviembre de 2020, interpreta la Misa de los pescadores de Villerville (Gabriel Fauré y André Messager) junto a la Orquesta de Extremadura y bajo la batuta de Víctor Pablo Pérez.
Para los programas sinfónico-corales citados, el Coro de Cámara de Extremadura ha conformado diferentes plantillas que van de los habituales 45 cantantes hasta los 70 que interpretaron la Novena Sinfonía de Beethoven.
Por otra parte, con acompañamiento de piano o a cappella, el Coro de Cámara de Extremadura cuenta con un amplio y variado repertorio que abarca desde la música antigua hasta la polifonía romántica y contemporánea, pasando por estilos más ligeros, como la música americana, el repertorio navideño o la zarzuela. En este ámbito más camerístico, ha ofrecido conciertos por toda la comunidad y fuera de ella. Cabe destacar su participación en la Semana de Música Religiosa de Avilés, con el Stabat Mater a diez voces (Domenico Scarlatti) y nuevamente en dicha localidad con el estreno de la musicalización de villancicos pixuetos. Además, ofrece su espectáculo de zarzuela, teatralizado y de diseño propio, con el que participó en mayo de 2019, cerrando el IX Festival de Canto Coral “Ciudad de Soria”.
Durante 2021 desarrolla el proyecto multidisciplinar Cantus Carmina en el cual ha dado cabida a otras agrupaciones corales de la comunidad, como coros participativos, interpretando una versión de la cantata Carmina Burana (Carl Orff).
Por último, los tres proyectos más recientes han sido en enero de 2023, el montaje de la parte coral de la ópera Parsifal, de Richard Wagner, con la Orquesta de Extremadura y bajo la dirección del maestro Heras-Casado. En mayo, en Cáceres, participación en el VI Festival de Música de Cámara a Dos Teclados interpretando una vez más Carmina Burana, de Carl Orff, con la colaboración del Coro Juvenil del Conservatorio Oficial de Música «Hermanos Berzosa» el Coro A.M.P.A. Isaac Albéniz, la Escolanía del C.O.M. «Hermanos Berzosa» y el Aula de Percusión de dicho conservatorio. Y en junio de nuevo la ópera L’elisir d’amore (Donizetti), esta vez fue iniciativa de la Diputación Provincial de Cáceres el Ayuntamiento de Villanueva de la Vera y la Junta deExtremadura, con principal promotor Ras de Terra con la colaboración de Opera Co-Pro.
Desde su fundación está dirigido por Amaya Añúa Tejedor.
Andrés Salado
Andrés Salado fue titular y artístico de la Orquesta de Extremadura durante cuatro temporadas, de 2021 a 2025, y de la Orquesta Joven de Extremadura desde 2014.
