Notas al programa

Tras abandonar Europa en 1940, Bartók tuvo muchas dificultades para lograr una estabilidad económica y productiva, a pesar de que contó con una beca que le permitió trabajar en la Universidad de Columbia, realizando estudios sobre la música folclórica. Tras el éxito del Concierto para orquesta (1943) y con una salud mermada, Bartók recibió varios encargos que quedan inconclusos debido a su fallecimiento por leucemia en 1945. Uno de ellos fue el Concierto para viola, obra encargada por el violinista William Primrose, con el fin de reivindicar la importancia que dicho instrumento había perdido con el paso del tiempo. Para afrontar la reconstrucción de la obra, a partir del manuscrito dejado por el compositor, se propuso a Tibor Serly, alumno aventajado de Bartók, el cual tardó más de dos años en descifrar las trece páginas y concluir la obra. Fue estrenada por Primrose bajo la dirección del mismo Serly en 1949. A través de la correspondencia epistolar entre Primrose y Bartók podemos conocer cómo evolucionó la composición de la obra y la estructura que en principio iba a tener. Especialmente interesante es la carta fechada el 5 de agosto de 1945 donde Bartók le comunica a Primrose entre otras cosas lo siguiente: “A pesar de que el estado de la obra es todavía embrionario, el plan y las ideas generales ya están decididos. Le diré, pues, que la obra constará de cuatro movimientos: un serio Allegro, un Scherzo, un movimiento lento (más bien breve), y un finale, que comenzará Allegretto y acelerará el tempo hasta un Allegro molto. Cada movimiento, o al menos tres de ellos, estarán precedidos por una breve introducción recurrente (un solo de viola en su mayor parte), una especie de ritornello.” Finalmente y bajo los patrones formales clásicos, el concierto quedó dividido en tres movimientos, Allegro, Adagio religioso y Finale, donde la extensión entre ellos va progresivamente disminuyendo. 

© Rafael García. 

Sergéi Prokofiev (Sóntsovka, cerca de Donest, Ucrania), 1891 – Moscú, 1953) tuvo una tumultuosa vida llena de altibajos. Niño prodigio, comenzó sus primeras lecciones de música con su madre quien rápidamente apreció la extraordinaria facilidad de su hijo para la música. Cuando, con tan sólo 13 años, Glazunov escuchó al niño y analizó varias de sus ya numerosas composiciones pidió insistentemente que hiciese las pruebas para el ingreso en el Conservatorio de San Petersburgo, del que Glazunov era el director. 

De estilo muy personal y escolásticamente ambiguo, las primeras composiciones importantes de Prokofiev como su primer Concierto para piano y su Suite escita para orquesta fueron consideradas demasiado modernas para la época y el lugar (Rusia) en que fueron escritas. Y esta, digamos, falta de ubicación le persiguió durante el resto de su vida. Salió de su país en el mejor momento artístico, década de los veinte… Y volvió en la ignominiosa década de los treinta. 

Vio como sus amigos fueron arrestados y ejecutados por la NKVD de Stalin. Incluso su propia esposa, la española Lina Llubera, estuvo ocho años en Siberia y, a su vez, fue invitado a componer una salutación a Stalin para conmemorar el 60º aniversario del mandatario. En 1948, el Politburó condenó su música como formalista y fue obligado a prometer que compondría obras con mayor «lirismo realista». 

Murió el mismo día que Stalin y, al vivir cerca de la Plaza Roja, el coche fúnebre no pudo llegar hasta su domicilio por la avalancha de personas que querían despedir al líder Stalin. Su cuerpo tuvo que ser trasladado a hombros sorteando a la multitud durante varias calles. Apenas 30 personas asistieron a su sepelio. 

El concierto nº 1 para violín lo compuso a la vez que su primera sinfonía, la titulada por el mismo Prokofiev como “Clásica” pues aseveraba que era el tipo de sinfonía que Haydn habría escrito si viviera en esa época. Durante el “revolucionario” año de 1917 todavía escribiría varias obras más. 

Tardó en ser estrenado, concretamente, 6 años. Lo hace en París el violinista Marcel Darrieux, bajo la batuta del aclamado Serge Koussevitzky y no gozó de un éxito instantáneo. Pero con el tiempo se ha convertido en uno de los conciertos más oídos del compositor. Igor Stravinsky, con el que Prokofiev discutía abiertamente, adoraba este concierto, obra maestra de equilibrio estructural, así como de cuidada y exquisita orquestación, casi raveliana. 

El primer tiempo de la pieza comienza con un paisaje calmo, difuso y sutil. Tras unos pizzicatos del solista, irá ganando una considerable fuerza a lo largo del tiempo, para terminar, de nuevo, de forma apacible, recordándonos la flauta la melodía inicial sobre un fondo de arpa y cuerdas con sordina mientras el solista ejecuta unos delicados pasajes virtuosísticos antes de llegar a la nota final, el RE agudo. Este sencillo esquema podría aplicarse a la totalidad del concierto. Toda una delicatessen. 

El Scherzo, muy ágil, con un fuerte componente rítmico se desarrolla con una frenética actividad del violín que abarcará desde rapidísimas escalas hasta muy variados golpes de arco y efectos sonoros, terminando con un pasaje en armónicos muy vistoso y chispeante. Es todo un ejercicio de despliegue de exigencias interpretativas a partir de un no menor despliegue de habilidades compositivas. 

El tercer tiempo comienza en Moderato. El violín contesta a la melodía inicial de fagot con otra larga melodía, a la que se irán sumando acompañantes, muy lírica y emotiva. A continuación, el tempo se anima a Allegro moderato y la música se va haciendo más intensa. Terminará con un ingenioso contrapunto en el que la orquesta interpreta la melodía lírica que abre este tiempo mientras el solista contrapone el tema que abría el concierto, en una atmosfera tan sutil como colorista. Déjense disfrutar unos segundos de esa paz final, antes de que empiecen los aplausos que nos devuelvan, de nuevo, al patio de butacas.  

© Jerónimo Gordillo. 

La Séptima Sinfonía de Dvorák debe competir en el amor de los aficionados con la Octava y, sobre todo la Novena o “Del Nuevo Mundo”. Y sin embargo, por parte de algunos estudiosos de la obra del autor checo, se trata de la mejor de sus sinfonías. Naturalmente, el salto que da su autor desde la sinfonía anterior –con ser la Sexta una obra mucho más que estimable- es extraordinario y la partitura que salió de sus manos en Praga el 17 de marzo de 1885 fue para el propio autor una muestra más de que su divisa —“Dios, amor y patria”— había funcionado. La sinfonía se estrenó en Londres, el 22 de abril del mismo año —la capital inglesa, como vemos, se apresuró a ofrecer la nueva obra de uno de sus compositores favoritos— por la orquesta de la London Philharmonic Society dirigida por Hans Richter.  

El Allegro maestoso, comienza con contrabajos con sordina, timbales, bombo y trompas creando un pedal de la tónica para que violas y chelos introduzcan el tema principal al que sigue una melodía más ligera de maderas y metales —trompa y oboe— y un clímax tras el cual volvemos al principio y quedan establecidas las bases temáticas de un movimiento que las irá desarrollando con un cierto tono dramático hasta su final más bien inquietante. El Poco adagio abre con una melodía —y bien presente a lo largo de todo su desarrollo— a cargo del clarinete que seguirá la orquesta de manera tranquila hasta que vaya poco a poco oscureciéndose para dar lugar a una derivación del mismo por las trompas que nos lleva a la sección central. Un ostinato de oboe y cuerdas introduce un desarrollo más lírico que acabará igualmente por ensombrecerse, volviendo de nuevo a evocar el principio —oboe y clarinete— para marcar la conclusión. El motivo que abre el Scherzo es inconfundiblemente dvorakiano y con un sí es no es dramático, con esas cuerdas y ese timbal apremiantes, un poco como retornando al ambiente del primer movimiento. El Trio, por su parte, trata de descargar, con algún curioso arabesco en los vientos, una tensión que, sin embargo, permanece y volverá con el tormentoso Finale en forma sonata, con su tema principal enunciado por trompas, chelos y clarinetes y el segundo, afirmativo, por las cuerdas, que convertirá la inquietud del inicio de la sinfonía en un triunfo de raigambre casi beethoveniana. 

© Luis Suñén.

Álvaro Albiach

Álvaro Albiach, principal director invitado de la Orquesta de Extremadura, dirige la JONDE en este encuentro.

Joven Orquesta Nacional de España

La Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), perteneciente al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM, Ministerio de Cultura y Deporte), fue creada en 1983 con el propósito de formar al más alto nivel a músicos españoles en la etapa previa al ejercicio de su profesión. Su objetivo prioritario es el perfeccionamiento profesional y artístico de sus músicos a través del estudio y la práctica del repertorio universal sinfónico y de cámara, por medio de la celebración de varios Encuentros anuales. Estos Encuentros son tutelados por profesores y dirigidos por directores de reconocido prestigio nacional e internacional, y culminan con la celebración de giras de conciertos, y la grabación de un ya extenso catálogo de CD’s y DVD’s.

A lo largo de sus 37 años de vida, la JONDE ha contado con directores invitados como Carlo Maria Giulini, Vasily Petrenko, Jakov Kreizberg, Gianandrea Noseda, Christopher Hogwood, Fabio Biondi, Christian Zacharias, Jesús López-Cobos, Juanjo Mena, Josep Pons, Paul Goodwin, Gunther Schuller, Peter Rundel, Antoni Ros Marbá, Víctor Pablo, Rafael Frühbeck de Burgos, Pablo González, Alberto Zedda, Arturo Tamayo, Günter Pichler, Lutz Köhler, Bruno Aprea, Cristóbal Halffter, Krysztof Penderecki o Edmon Colomer, entre otros, y colaborado con solistas como Mstislav Rostropovich, Christian Zacharias, Deszö Ranki, John Williams, Teresa Berganza, Juan Diego Flórez, Manuel Blanco, María Bayo, Pablo Sainz Villegas, Rafael Orozco o Asier Polo, entre muchos otros.

La Joven Orquesta Nacional de España se ha presentado en numerosos auditorios y festivales españoles, como los Festivales Internacionales de Santander y Granada, el Festival de Música Religiosa en Cuenca, el Palau de la Música de Valencia, en las temporadas de la Orquesta Nacional de España (ONE), la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya (OBC), la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria (OFGC) y en el ciclo “Orquestas del Mundo” de Ibermúsica, entre otras. Es destacable su colaboración con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), con el Festival Internacional de Música de Alicante y la temporada del Auditorio de Zaragoza. La proyección en el extranjero de la JONDE ha abarcado en todos estos años giras por Bélgica, Francia, Alemania, Italia, Reino Unido, Austria, Portugal, Luxemburgo, Holanda, Rusia, Ucrania, Estonia, Rumanía, Hungría, Estados Unidos, Venezuela y República Dominicana, actuando en salas de conciertos como el Carnegie Hall (Nueva York), el Royal Albert Hall (Londres), el Concertgebouw de Ámsterdam, Théatre des Champs Elysées (París), la Filarmónica y el Konzerthaus am Gendarmenmarkt de Berlín, la Filarmónica de San Petersburgo, el Radio Kulturhaus de Viena, el Kongress Palais – Stadthalle Kassel y el Ateneo Rumano de Bucarest.

Asimismo, la JONDE ha sido invitada a festivales internacionales como el BBC Proms (Londres), Schleswig- Holstein Musik Festival (Salzau, Alemania), Festival Young Euro Classic (Berlín), Robecco Zomerconzerten (Ámsterdam), World Expo Hannover (Alemania), Expo Lisboa ’98 (Portugal), Festival Kultursommer Nordhessen (Kassel, Alemania), Varā Magica Festival (Bucarest), Festival Enescu Şi Muzica Lumii (Sinaia, Rumanía), Aberdeen International Youth Festival (Reino Unido), Chester Summer Music Festival (Reino Unido), Festival España-Venezuela (Caracas), Festspiele Mecklenburg-Vorpommern (Alemania), Musikfestspiele Saar (Alemania), Opernfestspiele Schloss Weikersheim (Alemania) o el Touquet International Music Masters (Francia).

A lo largo de su trayectoria, la Joven Orquesta Nacional de España ha desarrollado numerosos proyectos complementarios a su actividad principal, como las Academias de Música Barroca o Música Contemporánea, la figura de Compositor en Residencia, el encargo de obras a jóvenes compositores a través de la Fundación SGAE y la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS), y la participación en programas de intercambio de músicos, especialmente a través de la European Federation of National Youth Orchestras (EFNYO) y los Sistemas de Orquestas Juveniles Hispanoamericanos (Programa Iberorquestas). Entre sus colaboradores y patrocinadores ha contado con el apoyo de las Fundaciones BBVA, Caja Madrid, Fundación Hazen y Fundación Coca-Cola. La JONDE ha sido dirigida por Edmon Colomer (1983-1995), Llorenç Caballero (1996-2000) y por el compositor José Luis Turina (2001 – 2019). Desde el 1 de marzo de 2020 la Directora Artística de la JONDE es la violinista y pedagoga española Ana F. Comesaña Kotliarskaya.

Javier Comesaña

Natural de Sevilla (1999), se forma con los profesores Yuri Managadze y Sergey Teslya. Graduado en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, bajo la supervisión del maestro Marco Rizzi, ha ampliado sus conocimientos en clases magistrales lideradas por Mihaela Martin, Silvia Marcovici, Miriam Fried y Christoph Poppen, entre otros.

Como músico de cámara, se forma con Heime Müller y Marta Gulyas, y ha actuado con diversas formaciones en escenarios como el Teatro Real de Madrid, el Casino de Madrid o el Auditorio Nacional de Música. Ha participado en numerosos conciertos y festivales a nivel nacional e internacional, entre los que cabe destacar el Lucca Classica Music Festival, Ticino Musica, Noches en los Jardines del Real Alcázar, el festival organizado por la Fundación Spivakov celebrado en Moscú en el año 2010 (donde representó a España) o el Otoño Musical Soriano.

Ha recibido, de manos de Su Majestad la Reina Doña Sofía, el Diploma de alumno más sobresaliente de su cátedra en los años 2019 y 2021, así como el de Grupo con piano más sobresaliente junto al Quinteto Schubert de KPMG, también en 2021, por su interpretación del Quinteto con piano en La Mayor ‘La Trucha’ de Franz Schubert.

En este mismo año recibe, asimismo, tres importantes galardones: el Primer Premio en el Concurso Internacional de Violín Jascha Heifetz celebrado en Vilna (Lituania), el Prinz von Hessen-Preis otorgado por la Academia Kronberg y el título de Laureado del Concurso Internacional de Violín Joseph Joachim de Hannover.

Como solista, ha actuado bajo la batuta de Pablo González, Andrew Manze, Modestas Barkauskas, Ivan Monighetti o Borja Quintas, junto a formaciones como la Camerata Bern, la NDR Radiophilarmonie, la Orquesta Nacional de Lituania, la Orquesta de Cámara de Stuttgart o la Orquesta Sinfónica Freixenet. Toca un Giovanni Battista Guadagnini del 1765, cedido generosamente por la Friz Behrens Stiftung.

Equipo técnico y artístico JONDE

Joven Orquesta Nacional de España (JONDE)

Auditorio Nacional de Música
C/Príncipe de Vergara, 146 | CP: 28002 Madrid
Tel.: 91 3370270-67 | http://jonde.mcu.es